Pochodzenie i historia sztuki abstrakcyjnej, cechy, malarstwo i inne

The sztuka abstrakcyjna to wszystko to artystyczne wyrażenie odrywa się od jakiejkolwiek realnej reprezentacji w celu stworzenia przestrzeni zupełnie innej niż naturalna. To poczucie abstrakcji uzyskuje się dzięki zastosowaniu różnych kształtów geometrycznych, a także punktów, linii i czystych kolorów.

Abstrakcjonizm jako prąd artystyczny jest również znany jako sztuka nie-figuratywna; Oznacza to, że ten styl nie ma żadnego kontaktu z reprezentatywną sztuką tradycyjną. Mimo to ta odległość od rzeczywistości nie oznacza jej negacji, ale raczej proponuje sprzeciw lub kontrast.

Według koneserów, aby zrozumieć sztukę abstrakcyjną, trzeba wiedzieć, jak odróżnić figurację od abstrakcji, ponieważ są one całkowicie przeciwnymi pojęciami. Z tego powodu, gdy te artystyczne pojęcia są zasymilowane, łatwo jest odróżnić pracę abstrakcyjną od pracy figuratywnej.

Indeks

• 1 Abstrakcja i figuracja
  • 1.1 Odległość ze światem figuratywnym
• 2 Pochodzenie i historia
  • 2.1 Wpływ kubizmu, ekspresjonizmu i fowizmu
  • 2.2 Od Baudelaire'a do Mallarmé: spróbuj zdystansować referenta
  • 2.3 Akwarele muzyczne Claude'a Debussy'ego
• 3 Charakterystyka sztuki abstrakcyjnej
  • 3.1 Próbuje uchwycić istotę
  • 3.2 Wolność
  • 3.3 Brak prawdziwych form
• 4 Malowanie
  • 4.1-Vasili Kandinsky
  • 4.2 Pierwsza abstrakcyjna akwarela
  • 4.3 -Piet Mondrian
• 5 Rzeźba
  • 5.1 -Henry Moore
  • 5.2 -Richard Serra
• 6 Architektura
  • 6.1 -Mies van der Rohe
  • 6.2 -Gerrit Rietveld
• 7 Muzyka
  • 7.1 - Igor Strawiński
  • 7.2 -Maurice Ravel
• 8 Odniesienia

Abstrakcja i figuracja

Zjawisko abstrakcji przejawia się, gdy nie można skojarzyć utworzonego elementu z żadnym istniejącym elementem w rzeczywistości.

Na przykład, jeśli obraz drzewa jest pobierany i jest zamazany lub zmodyfikowany, ta gra artystyczna nie może być traktowana jako abstrakcja, ponieważ obraz wciąż zachowuje istotę oryginalnej figury; to znaczy, jest nadal figuratywny.

Z drugiej strony obrazy, które nie mają żadnego rzeczywistego odniesienia, mogą być traktowane jako abstrakcja. W dziedzinie sztuki abstrakcyjnej istnieje kilka aspektów, takich jak abstrakcja geometryczna, formalizm i abstrakcja ekspresjonistyczna. Jednak wszystkie są związane z brakiem prawdziwego odniesienia.

Te figury związane ze snami nie mogą być uważane za abstrakcję, ponieważ chociaż sny i koszmary mogą prowokować surrealistyczne obrazy (na przykład jednorożca), to nadal zachowują odniesienia, które można znaleźć w rzeczywistości (w przypadku jednorożca, to koń z rogiem).

Dystansowanie do świata figuratywnego

Abstrakcjonizm radykalnie zmienił świat artystyczny, ponieważ przed tym wydarzeniem sztuka pozostawała pod opieką figuracji, mimo że w XIX i XX wieku forma zaczęła się zacierać w innych ruchach, takich jak impresjonizm , postimpresjonizm i kubizm.

Od czasu, gdy człowiek malował w jaskiniach, sztuka pozostawała poszukiwaniem rzeczywistości.

Aż do XX wieku artysta nie był w stanie oddzielić się od otoczenia i kontekstu, tak że sztuka abstrakcyjna pozwoliła na otwarcie episteme historycznego momentu, który dążył do wielkich zmian społecznych i estetycznej renowacji.

Abstrakcja może być związana z muzyką, ponieważ dźwięki nie mogą być symboliczne (pomimo nomenklatury muzycznej). Kolory i kształty są również abstrakcyjne, ponieważ oferują szeroki zakres możliwości, które niekoniecznie muszą mieć prawdziwego nadawcę.

Pochodzenie i historia

Sztuka abstrakcyjna ma swoje początki w poprzednich ruchach, takich jak kubizm i fowizm; istnieje jednak pewien obraz, który posłużył za punkt wyjścia do oddzielenia reprezentacji obiektów rzeczywistych od wizualnego postrzegania kolorów.

Ta praca należy do malarza Jamesa McNeilla Whistlera i nosi tytuł Nocturnal w kolorze czarnym i złotym: spadająca rakieta. W tym obrazie z 1874 r. Można zobaczyć szereg ciemnych kolorów i trudno jest bezpośrednio znaleźć ludzkie formy lub konstrukcje architektoniczne.

Łatwo docenić pociągnięcia pędzla światła i cienia, oprócz złotych kropek, które wydają się wywoływać pokaz sztucznych ogni.

Wpływ kubizmu, ekspresjonizmu i fowizmu

Wraz z pojawieniem się dzieł Pabla Picassa i Georgesa Braque'a, dozwolone było potężne wejście do geometrycznych kształtów i płaskich kolorów. Podobnie Paul Cézanne zaryzykował swoje początki w tworzeniu alternatywnej rzeczywistości; to znaczy pracował nad rekonstrukcją figuratywną.

Z kolei artyści ekspresjonistyczni byli odpowiedzialni za wykorzystanie - nawet w groteskowy sposób - intensywności palety kolorów i form. Jego obrazy są uważane przez krytyków za przepełnienie pasji, które przejawiały się reakcyjnie przed erą wielkiej konsternacji społecznej.

W ten sam sposób działa Krzyk Edwarda Muncha ma fundamentalne znaczenie dla rozwoju tego, co później było sztuką abstrakcyjną lub nie figuratywną XX wieku. Uwzględniono także obraz zatytułowany Wejście Chrystusa do Brukseli, James Ensor.

Inni wielcy awangardowi wykładowcy, tacy jak Paul Gauguin, Henri Matisse i Georges Seurat, są uważani za kluczową inspirację dla tego, kto był później największym przedstawicielem abstrakcjonizmu, Wasilij Kandinsky.

Wynika to z faktu, że język surowego koloru, wraz z różnymi pociągnięciami pędzla, silnie wpłynął na uznanego pioniera.

Od Baudelaire do Mallarmé: spróbuj zdystansować odniesienie

W świecie pisania rozwijały się także różne ruchy, które miały na celu zerwanie z ustalonym i kończącym się rzeczywistym referentem. W dziedzinie liter ta separacja była nieco trudniejsza, ponieważ w ludzkim umyśle słowa zawsze starają się cofnąć ich odniesienie.

Jednak ci poeci osiągnęli połączenie z wnętrzem formy poprzez akustyczny obraz słowa, odrywając się od koncepcji, do której się odnosi.

Wielki poeta nowoczesności Charles Baudelaire był odpowiedzialny za zasianie ziarna idei, że wszystkie zmysły reagują na pewne bodźce artystyczne, ponieważ są one połączone głębokim poziomem estetycznym, który znajduje się w podświadomości człowieka.

Innymi słowy, wszystkie sztuki mają zdolność budzenia pewnych doznań w oku, w uchu iw umyśle postrzegającego, bez potrzeby odpowiadania na rzeczywistego referenta.

Podobnie znani francuscy poeci, tacy jak Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud i Guillaume Apollinaire, szukali dystansu formy referencyjnej, aby skupić się na radości z brzmienia słów i tego, co mogą wywołać w czytelniku bez odwoływania się do koncepcja.

Oznacza to, że chodzi o modyfikację mentalnej struktury czytelnika, aby ten oderwał się od ustalonych parametrów i odważył się połączyć i stworzyć różne doznania dzięki brzmieniu sylab. Dlatego jest to abstrakcja w piśmie.

Muzyczne akwarele Claude'a Debussy'ego

Jako muzyczny przodek tego, co później było sztuką abstrakcyjną, znajduje się wielki kompozytor Claude Debussy, którego utwory muzyczne naśladują pociągnięcia pędzla impresjonistów i postimpresjonistów.

W ten sam sposób kompozytor kojarzy się również z ruchem symbolistycznym, ponieważ jego nuty stanowiła silna alegoryczna szarża, której towarzyszyły niezwykłe wpływy orientalne.

Oznacza to, że dla muzyków takich jak Debussy i Erik Satie, obiekty obserwowane w życiu codziennym są tylko symbolami, które odpowiadają na znacznie głębszą rzeczywistość, która przejawia się człowiekowi poprzez dźwięk towarzyszący kolorowi i ruchowi..

Charakterystyka sztuki abstrakcyjnej

Stara się uchwycić istotę

Chociaż ma różne aspekty, ruch abstrakcjonistyczny charakteryzuje się głównie poszukiwaniem prymitywnej istoty przedmiotów.

Dlatego sztuka abstrakcyjna próbuje uchwycić w swoich artystycznych manifestacjach eksplorację świadomości i nieświadomości na jej najczystszych poziomach.

Wolność

Inną jego główną cechą jest swoboda stosowania technik i elementów oraz znaczenie tych zasobów.

Na przykład jest to wyraźnie stosowane w polu chromatycznym: kolory mają swój własny wyraz artystyczny, bez potrzeby odwoływania się do prawdziwej koncepcji.

Brak prawdziwych form

Abstrakcjonizmowi brakuje prawdziwych form; używane są tylko figury geometryczne, ponieważ jest to styl odwołujący się do totalizującej prostoty formy.

Farba

-Wasilij Kandinsky

Dla wielu krytyków sztuka abstrakcyjna zaczyna się od dzieł Wasilija Kandinsky'ego; Należy jednak zauważyć, że w 1910 roku francuskie marmurkowe marmurki stały się sławne, co można uznać za początek abstrakcji.

Jednak według ekspertów znaczenie Kandinsky'ego w historii sztuki jest niezaprzeczalne. Ten malarz miał spuściznę orientalnej krwi, której używał jako inspiracji dla swoich dzieł.

Ponadto ten sam artysta przyznał się do zainspirowania mitycznymi katedrami w Moskwie; Według niego barwna architektura miasta składała się z artystycznych starć w wyglądzie zewnętrznym, które odzwierciedlały harmonijną estetykę i kulturowe wnętrze.

Podczas swojej pracy artystycznej Kandinsky opowiadał się za poszukiwaniem pierwotnej istoty formy. Z tego powodu jego pracę można streścić w trzech słowach: kolor, percepcja i doznanie.

W konsekwencji można ustalić, że sztuka abstrakcyjna jest koncesją, która zakłada mistyczny stan absolutności; to znaczy, on stawia na ciągłą ewolucję ideologiczną i filozoficzną.

Pierwsza abstrakcyjna akwarela

Aby osiągnąć estetyczną całość tych trzech założeń, autor promował użycie podstawowych elementów z tworzyw sztucznych, takich jak punktowy element pierwotny w pracy obrazkowej, linia, płaszczyzna i kolor.

Poprzez skojarzenia i powiązania między tymi elementami otrzymałem nowe i odmienne postrzeganie lub odczucia dla ludzkiego oka.

Mając to na uwadze, można powiedzieć, że sztuka abstrakcyjna narodziła się w roku 1910 jako pierwsza Streszczenie akwarela Kandinsky'ego. Na tym obrazie można zobaczyć kolorowe kształty, linie i wartości z tworzyw sztucznych bez powiązania z rzeczywistością; to znaczy jest to dzieło złożone z elementów nie figuratywnych.

Ponadto, jeśli widz uważnie obserwuje tę pracę, możesz zauważyć, że obraz składa się głównie z kolorów pierwotnych i wtórnych, podkreślając głównie kolory niebieski i czerwony. Podkreślają także kilka pociągnięć szarawych tonów, co powoduje kontrast z żywością innych kolorów.

-Piet Mondrian

Ten znany holenderski malarz nie specjalizował się w początkach abstrakcji, ale najpierw pracował z innymi stylami, takimi jak naturalizm i symbolika. Pomimo wielości stylów jego plastyka pozostała pod wpływem jego studiów filozoficznych i duchowych.

W poszukiwaniu istotnej istoty rzeczy, Mondrian grał w szczególny sposób z abstrakcją geometryczną, aby znaleźć podstawową strukturę wszechświata w swoich obrazach.

Z tego powodu jego prace są głównie oznaczone białym kolorem - który jest uważany za „nie-kolorowy” ze względu na całkowitą obecność światła i wszystkich kolorów - i przez kolor czarny, również uważany za „nie-kolorowy”. kolor ”ze względu na całkowity brak światła i obecność wszystkich kolorów.

Jednym z jego najsłynniejszych dzieł, również związanych z architekturą abstrakcyjną, jest obraz zatytułowany Kompozycja w kolorze czerwonym, żółtym, niebieskim i czarnym, które zrobił w roku 1921.

W tym możesz zobaczyć serię prostokątnych figur o różnych rozmiarach i kolorach; jednak paleta jest dość prosta i podstawowa: jak sama nazwa wskazuje, są to kolory czerwony, żółty, niebieski i czarny, które mogą przypominać obrazy ekspresjonisty Marka Rothko.

Rzeźba

Rzeźba nie została pozostawiona w ruchu abstrakcyjnym; w rzeczywistości wprowadził nowość w stylu: trójwymiarowość. Stało się tak, ponieważ w obrazie abstrakcyjnym figury zawsze wydają się płaskie, podczas gdy w rzeźbie promowana jest głębia formy.

-Henry Moore

Jednym z jego głównych przedstawicieli był brytyjski rzeźbiarz Henry Moore, którego monochromatyczne postacie zdają się mieć ruch i utrzymywać lekką romantyczną i wiktoriańską inspirację, według samego artysty..

Moore przyznał również, że ma wpływy wielkich artystów renesansu, takich jak Giotto, Michelangelo i Giovanni Pisano. Ponadto autor był zaskoczony kształtami prekolumbijskich rzeźb Tolteków i Majów.

Liczne abstrakcyjne formy rzeźbione były głównie w marmurze i brązie. Na początku swojej kariery Moore stosował rzeźbę bezpośrednią; Jednak w latach 40. rzeźbiarz postanowił zacząć od formowania gipsu lub gliny, a także zastosować tradycyjny i stary „zagubiony wosk”.

Fale

Jego rzeźby mają jako główną cechę użycie form z falowaniem i pustymi przestrzeniami, inspirację, która według krytyków nabyła krajobrazy angielskiego hrabstwa Yorkshire, jego rodzinnej ziemi.

Pomimo faktu, że malarstwo abstrakcyjne opowiada się za eliminacją figuratywności, w dziełach Henry'ego Moore'a możemy dostrzec abstrakcje, które nie odcinają się od postaci ludzkiej. Można nawet odróżnić reprezentację kobiecego ciała od matczynych postaci.

Jedną z najbardziej znanych prac Moore'a jest tzw Three Way Piece No. 2, który znajduje się w Toronto City Hall Plaza i został wykonany w 1964 roku.

Ten monochromatyczny kawałek rzeźbiarski jest jednym z tych, które najlepiej pasują do zasad abstrakcji, ponieważ jego kształt nie może być bezpośrednio powiązany z żadnym rzeczywistym odniesieniem.

-Richard Serra

Innym wielkim wykładnikiem abstrakcyjnej rzeźby jest znany artysta plastyk Richard Serra z amerykańskiej narodowości. Ten artysta, który wciąż żyje, jest uważany przez krytyków za jednego z najlepszych rzeźbiarzy naszych czasów.

Serra jest minimalistycznym rzeźbiarzem, który woli pracować z ogromnymi kawałkami stalowej platyny, co czyni jego pracę estetyczną bardziej godną podziwu.

Pierwszym etapem artysty jest ten, który w lepszy sposób koresponduje z abstrakcyjnymi ideałami, dla których wykorzystywał głównie materiał stopionego ołowiu.

Huty

Znany jest również z wytwarzania dużych prostokątnych konstrukcji stalowych. Jednym z najbardziej znanych jest połączenie Pochylony łuk, Ma 3,5 metra wysokości i ma sugestywną i subtelną krzywiznę. Ta rzeźba jest dziś widoczna w Federal Plaza w Nowym Jorku.

Inną abstrakcyjną rzeźbą bardzo cenioną przez krytyków artystycznych jest ta znana jako Wąż, która składa się z trzech warstw stali, które również cieszą się krzywizną (krzywe w geometrycznych kształtach są najbardziej reprezentatywnymi cechami tego artysty). Prace znajdują się w Muzeum Guggenheima w Bilbao.

Jednym z najbardziej znanych i najlepiej wykonanych dzieł Serry jest telefon Sprawa czasu, który składa się z siedmiu niezwykłych rzeźb o dużych rozmiarach, wykonanych z ulubionego materiału artysty: stali corten.

Liczby te składają się w całości z okrągłych i ukośnych kształtów, przypominających formy natury i okrągłą i zwodniczą naturę czasu jako ludzkiej konstrukcji.

Architektura

W XX wieku poszukiwanie esencji i form pierwotnych przejawiało się również w dyscyplinie architektonicznej. Z tego powodu w architekturze abstrakcyjnej dominują figury geometryczne i płaskie, także w stylu minimalistycznym.

Jednocześnie architektura należąca do tego stylu estetycznego stara się zbliżyć do prawdziwej wartości formy, oddzielając ją od chaosu i arbitralnej rzeczywistości codziennego życia. W ramach tych elementów dzieło architektoniczne jest inspirowane naturą, ale coraz bardziej widoczne w poszukiwaniu prostoty ducha artystycznego.

W architekturze konieczne jest dostosowanie zasad abstrakcji obrazkowej, ponieważ podobnie jak rzeźba, wymaga trójwymiarowej realizacji formy. Ponadto przed wykonaniem infrastruktury konieczne jest, aby artysta zakwestionował, czy ta forma, którą chce wyprodukować, może być zrealizowana w konkretnej rzeczywistości.

Ogólnie rzecz biorąc, abstrakcyjna architektura składa się z dużych prostokątnych okien, jak również prostych i solidnych kwadratowych kształtów.  

-Mies van der Rohe

Jednym z najbardziej znanych abstrakcyjnych architektów jest niemiecko-amerykański Mies van der Rohe, który przeszedł do historii jako jeden z najważniejszych artystów współczesnej architektury. Był dyrektorem niezwykłej niemieckiej szkoły Bauhaus; jednak musiał opuścić urząd z powodu wejścia nazizmu.

Jego architektura jest uznawana za prostotę i przejrzystość, cechy charakterystyczne dla abstrakcji. Ponadto preferowanymi przez artystę materiałami były stal przemysłowa i godne uwagi tafle szkła, których używał do wnętrza fasady.

Jedno z jego najsłynniejszych dzieł znajduje się w Barcelonie i nosi jego imię Niemiecki pawilon, Kulminacją był rok 1929. Jego architektura składa się z prostych figur geometrycznych i zwraca uwagę na jego skromne rozmiary. Składa się z wolnej rośliny i utrzymuje znaczący wpływ neoplastycyzmu.

-Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveld był znanym artystą plastykiem, który posiadał różne aspekty, ponieważ wyróżniał się nie tylko architekturą, ale także stolarstwem i designem. Twoje projekty narzędzi, takie jak Czerwone i niebieskie krzesło z 1918 r. oznaczają nowoczesny i geometryczny charakter jako element epoki.

Jego najbardziej znanym dziełem architektonicznym i najbardziej podobnym do abstrakcyjnej estetyki jest tzw Dom Rietvelda Schrödera, który został zbudowany w 1924 roku. Obecnie miejsce to jest wykorzystywane jako muzeum.

Jeśli chodzi o jego właściwości, zarówno wnętrze, jak i strona zewnętrzna domu oznaczają zmianę wszystkich poprzednich parametrów architektonicznych; stąd znaczenie pracy.

W domu nie ma pokoi, jest tylko jedna szeroko otwarta przestrzeń. Fasada zewnętrzna składa się z linii i płaszczyzn, odległych i kolorowych w celu stworzenia czegoś innego.

Muzyka

Jak wspomniano w pierwszych akapitach, ważne jest, aby pamiętać, że sama muzyka jest abstrakcyjna, ponieważ nie może być figuratywna, chociaż ma symboliczną nomenklaturę dla wyników.

Dlatego muzyka abstrakcyjna nie może istnieć jako ruch artystyczny. Istnieje jednak styl muzyki znany jako muzyka absolutna, który składa się z utworów muzycznych, które nie mają żadnego dodatkowego dodatku muzycznego; to znaczy, nie są powiązane z żadnym tekstem.

Innymi słowy, muzyce absolutnej brakuje poezji i tekstów, jest to jedynie kompozycja instrumentalna; dlatego można uznać, że cała muzyka pozbawiona liryki należy do tego gatunku. Niektóre przykłady można znaleźć w sonatach, symfoniach lub na koncercie.

W XX wieku było kilku kompozytorów, którzy wyróżniali się swoimi muzycznymi innowacjami artystycznymi i zbiegło się to z początkami abstrakcjonizmu. Do najbardziej znanych należą Igor Strawiński i Maurice Ravel.

-Igor Strawiński

Strawiński był dyrygentem orkiestrowym i kompozytorem narodowości rosyjskiej, uważanym za jednego z najlepszych muzyków XX wieku. Ponieważ żył do 89 roku życia, miał okazję poznać różne aspekty muzyczne; jego najbardziej rozpoznawalne prace były jednak opracowane w pierwszych latach kariery artystycznej.

Jedną z jego najbardziej cenionych kompozycji jest wywołanie Ognisty ptak, balet, którego premiera odbyła się po raz pierwszy w 1910 roku w Paryżu.

-Maurice Ravel

Ten znany francuski kompozytor, podobnie jak Claude Debussy, wyróżniał się w tak zwanej muzyce impresjonistycznej, która charakteryzuje się orientalnymi wpływami i wywoływaniem kolorów poprzez dźwięki. Ravel zachowała także cechy ekspresjonizmu i neoklasycyzmu.

Ten muzyk jest chwalony za kilka prac, a jednym z jego najbardziej wykonanych utworów jest Bolero, który miał swoją premierę w Paryżu w roku 1928; od tego momentu sukces tej kompozycji był ogromny i uniwersalny. Jego ruch orkiestrowy jest inspirowany gorącym hiszpańskim tańcem, bardzo popularnym w tym czasie.

Referencje

1. Zablokuj, C. (s.f) Historia sztuki abstrakcyjnej (1900-1960). Źródło: 27 października 2018 r. Z ICESI University: ftp.icesi.edu.co
2. Sempere, E. (s.f) Sztuka abstrakcyjna: geometria i ruch. Źródło: 27 października 2018 r. Z Muzeum Narodowego Centrum Sztuki Reina Sofía: museoreinasofia.es
3. Cardoza, L. (s.f) Abstrakcjonizm. Pobrano 27 października 2018 r. Z Journal of the UNAM: revistadelauniversidad.unam
4. Mascarell, F. (2014) Malarstwo i abstrakcja. Źródło: 27 października 2018 r. Z Universidat Politécnica de Valencia: riunet.upv.es
5. Schapiro, M. (1937) Natura sztuki abstrakcyjnej. Źródło: 27 października 2018 r. Od Timothy Quiggley: timothyquigley.ne